[轉貼]當「美」已經不再是「美」

普遍以來，美的事物一再被人們欣賞，然後再以各種的方式再表現。直到十九世紀印象派繪畫引發一連串的視覺革命，重新定義對「美」的追求，而讓唯美已經不再是「美」。

觀察台灣攝影的風潮，從50年代至今亦無法挣脫出唯美至上的框架。潟湖晨景、颱風前的夕陽、和平島的豆腐石、美貌的女孩…，一再的被相機感光。長期 的比對下，潟湖仍是潟湖，豆腐石仍是規律的躺在岩岸，女孩的笑容依然燦爛。相似的照片一再的重複出現，這些賞心悅目的照片之間，是否還可以存在不同的思考 與價值？

可惜的是我們並無法從這些影像分辨出攝影者之間的差異，也代表這些作品中攝影者對於影像的參與是微乎其微的，甚至只是按下快門的動作而已；亦即很多 的影像僅於 「複製」 然後 「貼上」。再伴隨科技加持，我們可以很容易得到品質優良的影像，誰拍出來的品質都一樣。而按下快門前所需要的瑣碎操作，早已經被電子訊號所簡化，在這眾多 自動化的加速下，大大減低了相機操作的手藝性。這讓攝影者的選擇，變成很重要的關鍵。而 這個選擇，也是攝影者賦予思考於影像的要素。

阮義忠於攝影美學七問一書中提到：「攝影科技的進步，使得這項藝術的手藝性越來越降低，精良而廉價的相機使每一個人都可以拍出品質很好的相片。因此攝影家越來越逼向純選擇的路子了。他選擇題材，選擇時間、機會、選擇構圖，事後從一捲大同小異的樣片中選擇出來。」

伴隨科技進步而簡化攝影的煩瑣步驟，未必是件壞事 - 拍攝者其實更能專注於影像創作與內容。不過絕大部分的攝影者還是不加思索的按下快門，科技的便利默默的阻擾攝影者於每張影像的參予，更提高照片彼此間的相 似度，讓一切更趨近於「複製」。這複製中缺少了思考，就會減低影像的獨特性並抹去存在價值。友人曾說：他無法分辨，隔壁老李每天至海邊守候大景所拍出的照 片；還是等待的當下，老李身旁戲鬧孫子無意間觸動快門，所拍下的畫面。如此，在荷花、美女、大景、民俗這些不變的題材外，是否還可以存在「非複製」的照 片？

我想，學習的過程會模仿前人的作品是必經的腳步，但除了複製之外，還是得嘗試加入自己的想法於影像。就如Bresson所言：「為了賦予影像意義，每個攝影者必須感覺得到自己有涉入觀景窗中框取的事物。」而該怎麼讓攝影者涉入觀景窗中取景的事物，是我一值再思考的事情，這也是我要讓作品裡必須具有的要素之一。

記得在很早之前，朋友阿咪曾經問我：如果你身在雪梨港，你會怎麼去呈現這個地標 - 雪梨歌劇院 (Sydney Opera House)？那時我腦子裡所浮現出來的影像，就如同明信片或月曆中常見的美麗風景圖所呈現的歌劇院。隨後他丟一張Trent Parke的照片給我看。頓時，我毫無防備的被那影像鎮住了！就從那時刻讓我開始思考影像的價值，也要求自己於每一張影像中，必須存在攝影者的「涉入」。

最後附上Trent Parke幾張以雪梨歌劇院為主體(背景)的照片：LON38328, LON38337, LON38341, LON38350，希望你(妳)也可以感受到！

(轉貼)台灣攝影界覺醒吧

出自:

台灣攝影界覺醒吧




台灣攝影界覺醒吧(聽喬必信演講有感)



昨天我花了一千五百元買一張票，我買過最貴的一次，只為了聽一場一個半小時的演講。值得嗎? 打從四天前知道這個消息，我花了三天的時間在網路上找Joe Buissink的資料，看他的網站，他拍的照片，別人對他的評語，雜誌上的報導。

其實一開始只是想知道，他是不是真的像傳單上所說的，世界十大婚禮攝影師，好萊塢婚禮大師這麼厲害，等看到他的照片，又被他的照片吸引，不同於台灣制式的婚紗照，或拍流水席般的婚禮紀錄，他的照片有種詩意，有點後現代的感覺，每張照片都在對你說話。

更重要的是他這個人。

因為我看到這期rangefinder上一篇他的專訪，說他從mid 40s才開始從事婚禮攝影，那時他正在念心理學博士的第三年，只有休閒時拍拍landscape照片。但是他卻有這麼大的熱情，願意在44歲的高齡投入當時在美國攝影界地位最低下的婚禮攝影，做到現在一場八個小時一萬五千塊美金的價碼，可以四處演講發揮他的影響力。

他已經不單單是個婚禮攝影師了。

在去聽他演講之前，我已經知道五成以上他所要說的內容。除了看他的文章，還特地跑去他的記者會，我近距離親眼看到這個人，聽到他說每一張照片的故事，感受他談婚禮攝影的熱情。

當下我深深被他的人格特質所著迷，立刻決定了，我要去參加他晚上的演講會。

看似一個浪漫的決定，從學生轉為一個婚禮攝影師，其實他想得很清楚

他說他花了很久的時間思考婚禮攝影師是作甚麼? 它與商業攝影師的不同在哪裡。

他早已看到婚禮攝影的價值。

婚禮攝影對他來說，是紀錄當下的感動，是讓客人二十年後，在看到這些照片的時候，會想起當下的點點滴滴。當夫妻吵架的時候，看到照片，會想起當日他們經說過的誓言，會想到他們是如此的相愛。

他更是個說故事的高手，每張照片經過他一說，似乎都變成一個個動人的故事。無形間這些已經不單單是張照片而已，更是個藝術品。

更厲害的是，他說 I don’t shoot for my client, I shoot for myself. 因為他滿足了他內心的需要，客人就可以從他的照片看到他的熱情，而被吸引。

這場花了台幣1500的震撼，不單單是他的演講，還有台灣攝影界的封閉。

說來好笑，這場國際級演講是一位日籍婚禮攝影師所促成的，而當演講結束，有個小型的seminar，聽眾可以發問的時候，這些所謂婚紗攝影界的大老前輩們，也被安排上去講台講話，

看著這些『大老們』老神在在地在台上訴說他們個人的攝影經驗，狠狠地占據剩下的寶貴學習時間，恐怕也凸顯出過去台灣的攝影行業中所謂的資歷，一直主導這個行業的價值與方向，過度重視所謂經驗與資歷，是不是也是讓這個行業一直無法創新自省而產生更高價值的原因？

我想這也說明了，同樣做婚禮(紗)攝影，為什麼報酬差距至麼大，在台灣一個婚紗package報價約四五萬塊，相對喬必信一天四五十萬台幣，這10比一的差距，已經不是美國跟台灣個人GDP所得的差距所能解釋。

一點想法跟大家分享。

鼓勵所有熱愛攝影且想要當作志業的朋友們，以後如果有機會，一定要去聽聽他的演講。

最後以他的一句話跟大家共勉：stay out of the box, create the art (value) for people.


『紀錄當下的感動』，這句話可是知易行難阿



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我個人對婚紗短淺的見解(沒去聽演講):

任何行業都需要接受"現實"的考驗, 也就是"售價"! 我曾經也有如此感慨, 為何不能提升價格
? 我們要賺有錢人的錢, 為何要賺那些上班族的錢? 說到此, 大家也會有點感到氣憤! 上班族就不能享受一下"超值服務嗎?" 沒錯! 能夠消費的人的確有他的市場, 但它相對普羅大眾而言, 還是很小, 所以就有一種名詞出現: 平價奢華! 提供超值多樣服務, 當然它成本不會在老闆身上, 這都是經營策略的問題, 當然也有雙贏的例子.

文化, 中華民族的頭腦都很不錯, 商業化的社會, 大家喜好又快又好又便宜再加上時效性又高的東西, 任何可以大量生產的產品可能我們都盡可能辦到. 婚禮現場的攝影師可以"保證"
拍500張, 或是又有"促銷"活動, 錄影加攝影一天包辦只要9999. 捫心自問: 需要唱高調的婚禮現場攝影師嗎? 為何他要那麼貴, ㄧ場2萬只攝影, 我一個月才賺多少?

生存, 有志從事攝影的人必須體驗顛沛流離的生活, 似乎有關藝文愛好者都要經歷的必修課程. 攝影不是天天都攝, 好日子才有工作, 這樣怎麼行? 所以平常上班週休二日兼打工才是萬全之道, 唱高調留給那些全心奉獻的人吧! 大多數的人循著社會常理, 有穩定的工作加上美滿的家庭, 理直氣壯批評那些很Low(很台?)很低價的攝影工作者, 沒有人再會去理會自己年輕時的奇幻夢想, 畢竟我們都需要生存, 物價節節高漲, 攝影一張值多少?

理工科系人人讀, 文藝欣賞好偉大! 社會是美好的, 前提先了解現實面, 在下為那些先驅者
致敬! 縱然有些不理想, 他們卻踏出了第一步!

抄一下別人的智慧作為結論:

玩家在乎器材(請問您用哪一台相機? 萬低馬克4嗎?),
職業在乎鈔票(用五低拍已經很好了, 鏡頭都有紅色橡皮筋呢! ㄧ場是收多少呀? )
大師在乎光線(其實經營事業才是我的本行, 提供我源源不絕的攝影動力)


感謝樓主分享, 相信有很多收穫, 我也想去聽, 但是被強力阻止了.........


五洲製藥:先研究不傷身體,再研究藥效
攝影達人:先研究養活自己,再研究拍好照片







有人說是為了養家糊口，不得不與現實妥協
有人單純追求自我實現，卻讓大家甘願掏錢

前者說不定就是當初若繼續走心理學專精的 Joe Buissink
後者是我們現在看到的 Joe Buissink

我想
做自己愛做的事，因而專精，而後讓別人自然有求於你
這樣是可能的，也最理想的



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Joe buissink還是個善於捕抓人的本質的攝影師

會中 他放了 一張jennifer lopez的婚紗照片
他說他只花了兩秒鐘拍這張照片
沒用反光板 沒用閃光燈
連叫她擺個姿勢也沒有

按完快門
jennifer lopez 說
等等 我都還沒擺好姿勢
說著要他再拍一張

事後他們看照片
lopez 的媽媽就對lopez說
這才是我認識的lopez
那張擺好姿勢的
是別人眼中的lopez

[轉貼]當代日本攝影簡論

本文引自


2003年3月2日，一個名為《日本攝影史》的大型日本攝影展覽在美國休斯頓美術館舉辦。這個展覽會學術性濃厚，其重要意義在於，人們發現，自1974年 紐約現代藝術館舉辦了第一次向西方全面介紹日本攝影的《新日本攝影》展覽以來，當代日本攝影與日本近年來面臨的經濟蕭條不同，依然保持相當的活力，人才濟 濟，陣容整齊。

日本當代攝影起自1950年代後期，其時多受荷蘭攝影家埃爾斯肯、美國攝影家克萊因等西方攝影家的影響，開始逐漸偏離報導攝影的主流，深入開掘攝影這個媒 介與攝影家自身的關係，突出個人關照現實的視角。與此同時，隨著對於攝影本體的認識的深入與對於語言探索的深化，攝影的「日本性」也悄然浮現。

參加本次展覽的日本攝影家，有相當一部分人崛起於1960、70年代。如石內都、森山大道、荒木經惟、北井一夫、須田一政等。他們現在都已經是受到國際藝壇熱切關注的重要攝影家。

北井一夫成名於拍攝抗議建設東京成田機場的三里塚事件，但後來把目光移向因城市化而日趨空疏的農村，開了「新紀實」風氣之先。北井在自己的影像中一貫追求 的是普通人的生活現實感及以人為中心的生活場所的生活氣息的詩意再現，而這又是以一種在視覺上儘量貼近生活本身、謙和平實的風格表現出來。北井以其親切的 注視和照單全收的視覺包容力，從各個方面細細地觀察日本農村的各種變化並形諸他的影像。他的照片中的所有事物，無論是人和物，經過他的注視都變得熠熠生 輝，獲得各自的生命力，可謂「一草一木總關情」。

女攝影家石內都在1970年代以拍攝美軍基地駐在城市橫須賀而著名。而當她於1988年開始名為《1947》的系列時，則撿拾了她的高中同班女生的身體片 斷並連綴起來，使之成為一首有關女性的生命歷程的影像詠歎調。這些同為1947年出生的日本女性，現在或是美容師、畫家，或是主婦、店員。她們的人生旅程 已有相當時日。石內都拿出微距鏡頭，細細端詳起她們的手與腳。通過她的精密描寫，這些飽經生活滄桑、隱含生命密碼的手與腳呈現出豐富的生命質感。此後，她 開始關注身體上的傷痕，將生命的脆弱與堅韌同時定影於畫面中。

森山大道是成立於1968年的「挑釁」群體的一員。這個群體現在已經成為日本攝影史的傳說。「挑釁」群體成立當初，他們發出豪言壯語：攝影「要為思想提供 材料」。可見他們對於攝影的期待。森山的影像表現著重於個人心理感受的抒發，而他對於顆粒效果的獨特處理所形成的強烈視覺效果，使他的影像具備了一種不同 凡響的特殊氣質。在這些質感與形式感兼具的照片中，他將一個孤獨的個體在城市中將憤怒與壓抑壓縮為視覺的尖銳嘶叫。

荒木經惟的影像的引人入勝之處在於他在虛構與真實之間所制造的諸多視覺懸念。人們在這種似是而非、似真似假的畫面裡失去對真實的敏感度，也同時失去對虛構 的警惕性。從他的虛構中，人們也許可以尋找到真實的現實感受，而從他的真實中則可以獲得虛構的藝術享受。而所有這一切，卻又是透過攝影這個看似最為「真實 「的媒介來達成的。其實，對於荒木經惟來說，虛構與真實具有同等意義的。他以攝影打破對真實的幻想，將真實與攝影的必然的想像紐帶一刀切斷。而這也許是他 用攝影討論「何為攝影」的最大貢獻。

攝影是一種借「物」發揮的影像手段。這在須田一政的照片得到了最為切實的證實。正如他自己所說的，讓視線停留於某個事物完全是自己的好奇心使然。那可以是，一管衣袖，一雙背影，幾片雲朵，而這就是他最終以照片形態凝固起來的個人的記憶形態。

白岡順在1970年代離開日本在歐美行走。他的照片影調濃郁，於片片憂鬱的陰影之中揮灑他的人生感受。而他對於陰影的幽妙之處的敏感，無法不讓人想到寫了《陰翳禮讚》的谷崎潤一郎對於光景中的光影的細膩感受。

如果說上述攝影家的作品代表了一個變化動盪時代的美學追求與文化心理的話，那麼1980年代後出場的日本攝影家似乎有意迴避了情緒性的表達而更趨近觀念的 表達，其作品也更多有一種哲學思辨的觀念色彩與理性的冷靜。他們對於一個主題的全方位的關照與一種類型學式的收集與編目，更讓他們借攝影建立起一種攝影現 實主義與觀念形態的新聯繫。而就手法的精純與一以貫之而言，則可窺見日本人性情之中執拗以至偏執的一面。

無論是宮本隆司的將迷宮與廢墟這兩個意像疊加的《廢墟》系列，還是柴田敏雄的形式感強烈的《日本典型》，無論是森村泰昌篡改了自身也篡改了藝術史與當代文 化本身面目的化妝自拍攝影還是杉本博司的對於時間的不同角度的切入，我們都會發現，日本攝影家們的攝影在表面上看是一種觀念先導的藝術實踐的同時，也在內 裡滲透了一種日本式的面對現實世界的本質性的方法論。他們的觀念呈現在表面上看卻往往非常「現代」或「後現代」，展示方式也非常到位，非常西化，但同時卻 又無處不讓人感到一種隱約的「物哀」的底色。在觀看方式上看，攝影似乎無分東方、西方的差異，但一旦影像真正結像於膠片之上時，一種揮之不去的日本性永遠 在頑強地以一種精緻到了不能再精緻的方式浮現。也許，攝影真的是一個對於日本人來說最好的確認自我，呈現自我的手段。

進入1990年代，日本攝影進入了一種被日本著名攝影評論家笠原美智子形容為「黑暗中摸索著接吻」的狀態。這種狀態的發生，至少部分是因為因特網時代形成 的現實感的巨大變化。虛擬現實猶如一個黑洞將所有關於真實的言說都打入無邊黑暗。而在這種黑暗中，卻仍然存在著如果伸出手去摸索，也許仍然會有什麼被抓住 的巨大誘惑。這種處於黑暗中的誘惑––也許誘惑本身為何也處於未知狀態––的不確定性，誘發了日本年輕攝影家精彩的視覺回應。

這一代年輕攝影家的特色之一是手法多樣，思維柔軟。他們或全面接納自從攝影術發明以來的各種攝影技法，並在自己的運用中給這些技法注入活力，展現一種「古 典-前衛」的新風貌，或將當代藝術中的其它因素如行為藝術、裝置藝術等一併吸收進自己的攝影表現之中，增加攝影作品的「附加值」。

而這一代日本青年攝影家的另一個特點是，非意識形態化。也許因為是在整體上已經成為西方體制的一個部分，因此他們沒有、也不需要以意識形態的「挑釁」與 「玩火」來引起西方與世界注意的必要。而這種心態同時造成了兩個方面的後果，一方面是可以心無旁騖地探討藝術本身，在藝術的純度探索方面得以一往無前。而 從長遠看，這種「非意識形態化」將造成另一方面的隱憂，那就是社會現實感的稀薄。此外，通過將攝影來探測人的生存底線、擴大經驗範圍也是一些攝影家的興趣 所在。

山直哉可說是日本新一代攝影家的代表性人物。他的攝影先是以一種不毛荒涼的影像觀照現實，然後又以對於現實的獨特的解釋而贏得關注。鬆江泰治的攝影再次將 現實蛻化成簡單的形式要素，給出新一代日本人的審美感受。而屋代敏博則用從不同地方拍攝而得的照片按照透視原理重新拼組，造出現實的新幻覺。河合洋明的作 品則是結合了裝置與攝影，通過這樣的方式營造一種由攝影引起的現實幻覺。鷹野隆大的作品的出發點始終挑戰日本社會中對於性的矛盾的文化心理與社會規範，而 他對於題材的機智處理，更引發人們對於既成的文化價值與標準的疑問。

當代日本攝影的另一個重要現像是，女攝影家的活躍給當代日本攝影增加了許多亮點。奧諾黛拉•有機的懸浮在半空中的服裝，憑藉一種想像的活力托起了對於有機 的身體的空洞的感嘆。而米田友子的作品則透過眼鏡放大歷史的細部，催生對於過往歷史的種種空想。鯉江真紀子的作品，通過既有對於個人細部的具體刻劃，又在 整體上形成大眾的抽像概念的動感的畫面，將現代大眾社會的砂粒般的「散眾」習性與集團性的矛盾舉重若輕地一並提示。

攝影，其實永遠只能是一種對事物的表面進行複寫的行為。它永遠在表面徘徊，但在這些日本攝影家手中，由於將對 事物表面的再現與刻劃發揮到了極致，結果終於反而釀成了到達事物的核心部位的契機。這裡所說的「核心」，也許可用日本人喜歡使用的佛教用語「空」來表述。 而所謂的「表面」，則也許可以用「色」來表述。而這一張張就完成度而言都堪稱精美的照片，其實就是來自一個對於美有著敏銳的感受神經的民族的攝影家們留給 「現世」的形形式式的「色」的拓片。他們通過攝影，在對於「色」的極度追求中，令「空」先以「色」的種種形態面世。而後，這處處的「色」，也成為處處的 「空」。而因為處處成「空」，也成就了「色」本身的本質上的「空」。經由攝影家之手，「空」與「色」以攝影的方式表裡一體。如此，由攝影而得的視覺表像與 攝影家的意旨實踐也得以渾然一體。

人的自然視角約在 50 度左右

* 人的自然視角約在 50 度左右。
* 焦距 50 mm 的鏡頭，視角 = 53 度（就135系統而言），稱為標準鏡頭。（一說焦距 45 ~ 55mm 或 35 ~ 70 mm 為標準鏡頭）
* 焦距 ＜50 mm 的鏡頭，視角 ＞53 度，大於人的自然視角，觀景範圍較為寬廣，稱為廣角鏡頭。
* 焦距 ＞50 mm 的鏡頭，視角 ＜53 度，小於人的自然視角，可將被攝物拉近，稱為長焦鏡頭。
* 焦距 ＜24 mm 的廣角鏡頭，拍攝的照片將有明顯的大量變形，甚至到達扭曲的程度。（尤其是邊緣）
* 焦距 ＞200 mm 的長焦鏡頭，將被攝物拉近的程度頗為可觀，一稱「大炮」（拍攝時切忌震動）。
* 焦距 = 135 mm 的長焦鏡頭，拍攝人像時感覺不到鼻子會變大，一稱「人像專用鏡頭」。

[轉貼]沈老師上課內容

上過老師講的課後,上來網路找一找就發現有人整理好了


沈文裕主講：晨昏夜間攝影的拍攝技巧

http://bbs.fotosay.com/showtopic-4418.aspx


1.數位化不要有太多的著墨, 會扼殺你的創作, 千萬不要過頭
2.簡化, 淨化, 美化, 個人的風格化
3.晨昏, 船過水面, 船後有水光, 用什麼快門速度=>一定要快速度 1/120, 1/250 凍結
4.雲彩 => 慢速度可以有朦朧流動感, 但, 就是會結構鬆散, 不夠銳利
5.對比, 構圖要簡單, 強調景物的對應性, 置於黃金點上
6.中光圈, F8-F11, 不求深淺景深時, 中光圈效果最好
7.Raw檔轉Tiff檔
8.可以格放裁切, 不要移花接木
9.橡皮圖章可以消除, 可以移圖
10.注意美麗的線條
11.拍人像, 注意頭臉四周景物, 不要跟頭臉混在一起
12.超亮麗相紙為DF相紙
13.拍內湖, 汐止的老爺山莊時, 老爺山莊放在右下角, 快門優先30秒, 如果不能在30秒, 調高ISO值,
或等亮一點再拍, 先用黑卡擋天空最亮處再測光
14.晨昏照不能頭重腳輕, 不能天空顏色太重, 近處反而太淡
15.沈八步:

a.轉檔: 拍RAW檔, 用標準模式即可, 修圖前先轉, 用DPP=>檔案->批次處理, 轉成 Tiff 16 bit, 設定 500 dpi
b.格放: 裁切後就不限固定長寬比(1:1, 1:2, 3:2, 4:3), 自己高興就好, 裁切後檔案大小仍然跟裁切前一樣, 畫素沒有減低
c.橡皮圖章: 放大到 50 %, 按 ALT 取樣, 去除斑點及不需要的景物, 或者複製移動想要的景物到特定的位置.
d.塗亮塗暗: 放大到 20%, 筆愈大愈好愈自然, 使用中間調, 曝光20%, 按 [ 或 ] 可改變筆刷大小
e.色階: 用色階, 對比會增加, 飽和度也會增加, 左, 右, 中邊拉邊看,
f.色相飽和度: 可整體調到極限, 如遇紅花配綠葉, 也可單獨把紅色拉高
g.明亮及對比: 先調對比
h.銳利化: 濾鏡=>遮色片銳利化, 1DII 總量200, 強度 3, 5D及一般調整, 總量150, 強度2, 對比不拉, 放大到66%看是不是很假, 如果產生白邊或偽色再酌減

16.傳統相機: 日出前還沒有魚肚白先洗石頭, 用廣角鏡小光圈逼近石頭, 對焦在離鏡頭約1M處, 曝光時間2分鍾光圈22
17.晨昏的美感就在色溫
18.主體與背景不能互相混雜, 要分開
19.夜景天空仍然需要有顏色
20.黑白照的重點在於反差一定要拉大
21.構圖時, 人物要走入畫面, 不能走出畫面, 人物要儘量拍正面, 不要拍背面
22.簡單就是美!
23.拍人文, ISO用200, 可縮短快門時間, 不一定非得用ISO100
24.大光圈可以讓前景, 背景都糊掉, 只取想要的點準焦
25.絕大部份使用權衡曝光

看到的一句話

有原則~~ 不亂
有計畫 ~~不忙
有理財 ~~不窮

[轉貼]心的世界 - 柯錫杰的攝影美學

[讀書心得]心的世界 - 柯錫杰的攝影美學
在看過了許多市面上教人攝影技術, 器材解析的書後, 是不是應該再去充實更多攝影美學的觀念呢? 前陣子在書店翻到了這本書, 發現書中提到的許多觀念非常值得我們在拿起相機的同時去深思的. 節錄片段如下, 希望給大家參考一下:
這段日子對我來說有點像"修行", 尤其那時看的都是哲學方面的書, 也許因此, 透過相機拍出來的東西都有些許禪味. 但我想, 最重要的還是"無心", "無心"讓我的感受力更敏銳, 可以看到大自然表相以外的深層的美.--<等待維納斯>
過去許多拍撒哈拉的攝影師, 大都是取全景, 拍出大片大片的景致, 企圖表現沙漠的遼闊. 我卻是拍撒哈拉的"局部"...一部分, 一部分地看, 你就會看到成千上萬個"撒哈拉", 會看到線條流動的美感; 撒哈拉並不是只有一種面貌, 每個人拍的都一樣. 我眼中的撒哈拉是由許多多旋律構成的音樂, 我一點一點地欣賞, 每一個鏡頭框出來的都是一首悠揚的歌...雖然我和其他人面對的是同一個撒哈拉, 但我拍出來的照片, 卻能讓人有新奇的感受.--<生命中的撒哈拉>
位於雲南南方的元陽梯田...每個到這裡觀光的人, 都跟我一樣, 覺得很美, 不停地按著快門. 因為大自然本身就這麼漂亮, 你有數位相機也好, 傳統相機也好, 很容易就可以拍出一大堆漂亮的照片. 但是, 如果沒有camera eye, 面對大自然的美景, 我們其實是很盲目的. 我們要用另一種眼睛去看, 才會得到"自己的"照片.我們要去找別人沒看到的東西, 我們要去看到.攝影家要不斷地注意大自然的變化, 看似什麼都沒有了, 其實還有很多. 攝影家的任務就是用自己的"camera eye"去找到他.--<ｃａｍｅｒａ　ｅｙｅ>
好比數學中的減法, 如果你看到的是五, 一口氣就把五通通拍出來, 結果將是尋常的風景明信片. 如果用你的心, 眼去體會, 眼前所見的景緻中, 是什麼部分令你感動, 集中表現這個部份, 把它影像化, 拍的是五減二之後的三, 這才是你自己的風景.Less is more. 通通都給, 觀者會不知道你要給的究竟是什麼.極簡不是空洞. 減法其實是一種"用心", 而不是隨意亂減. 減法是實踐生活美學的一條路...懂得把美的東西留下來, 丟掉那些不美的.--<減法>
紀錄式的照片是在介紹這個世界, 我的照片則是要讓人去體會這個世界.--<想像空間>
重要的是感動. 如果只是拍一張漂亮的風景, 那沒什麼. 我們必須對自己想拍的事物有所感動, 心要和他呼應, 把那份感動, 用專業的技巧拍下來, 才能成就一幅作品.--<遠近之間>
照片不像繪畫, 可以把一個人擺在那裡, 用十幾個角度來觀察, 不滿意, 塗掉再重來. 攝影是一剎那拍到了, 就是有了, 沒有拍到, 就沒有了.--<ｓｈｏｔ　ｔｈｅ　ｃｈａｎｃｅ>
拍照就是這樣, 攝影師要有這種能力, 一些東西集中在你眼前, 你馬上就要有一個idea, 知道怎麼來完成一張好作品.--<完成一張好作品的能力>
相機不過是個道具, 最重要的是我們的眼光和心. 攝影家在看的時候, 不是只用眼睛, 他的眼睛是透過心去看的.從觀景窗這個四四方方的小框框裡, 我們能看到什麼?把眼睛, 耳朵關起來的, 絕對不行. 不肯用心思考, 領會的, 也不行.用全身每一個細胞去感受, 去了解這個世界, 把我們的心充實, 它才能在我們的眼睛透過觀景窗觀看時, 給予我們最大的回饋.--<相機不過是道具, 重要的是心>
-----------------------------看完這本書, 覺得很多內心的想法, 都在書上經由大師的文字表達出來了. 拍照對桿菌桑來說, 也如同一種修行, 追求的也算是一種「道理」. 一種純粹令人感動的美感與意念. 拍照拍久了, 也發現自己隨時隨地都在觀察光影的變化, 當看到一個景色, 就會開始想像該用什麼焦段的鏡頭, 拍出什麼樣的風景來. 雖然追求這「道理」的路上很艱辛, 每每拍不出想要的那種情形時, 也會更激起桿菌桑想要更努力去鑽研的決心. 希望大家在拿起相機的同時, 也能找到自己心中的「真理」.